Поиск
_happy_owl_nkh Omsk

_happy_owl_nkh Omsk

Подписчики: 43 подписчиков
ID: 86787246

Блокировка:

Нет ограничений

Верификация:

Сообщество не верифицировано администрацией ВКонтакте

Видимость

открытое

Популярность:

У сообщества нет огня Прометея

Домен:

happyowlnkh

Лидия Диннер Живопись. Графика. ДПИ. Творческая мастерская Лидии Диннер Лидия Диннер принадлежит к числу выпускников Академии Художеств или Института живописи, ваяния и зодчества им. И.Е.Репина, которые еще успели испытать в своем творческом и личностном становлении обаяние и силу последних корифеев советской живописной системы – М.Ю.Непринцева и А.А.Мыльникова.
Фундаментом ее художественного метода является традиция, подкрепленная академическим образованием: традиционная форма станковой картины и рисунка, традиционные жанры, фигуративная живопись, основанная на одинаково уверенном владении рисунком, законами композиции и различными колористическими системами.
Художественное кредо Л.Диннер заключено в трепетном внимании к любому проявлению творческого духа в человеке, природе или предметной среде. Оно определяет разнообразие видов и жанров искусства, в которых работает художник, выбор материалов. Живопись, графика, декоративно-прикладное искусство, портрет и натюрморт, пейзаж и жанровая картина, масло, акрил, тушь, карандаш, акварель – диапазон выразительных средств широк.
Автору одинаково успешно удается работать широким пастозным мазком и создавать «сплавленную» живопись на манер старых мастеров. Писать крупные сюжетные картины и камерные лиричные портреты. Передавать настроение путем абстрактных колористических композиций и раскрывать свой мир через детальные графические зарисовки любимых мест и предметов.
Основным камертоном творчества Лидии Диннер является подкупающая искренность и полная самоотдача, которые составляют ее личностную позицию и создают собственный художественный мир.

Лидия Диннер Живопись. Графика. ДПИ

За Ширмой. Картины, рисунки, расписные изделия продаются.
.
Если близка моя эстетика, то оставайся)
Меня зовут Мария, я художник и автор уникальных украшений.
Я люблю воду, зеленый цвет и синий, кошек, сказки и легенды.
Эта страница, вроде творческого дневника, фиксирует мой путь.
Здесь и портфолио, и блог художника. А еще, здесь можно купить картину, рисунок или расписное изделие.
Не бойтесь задавать вопросы, если что-то заинтересовало, или есть желание сделать на заказ.
.
Теги по разделам:
Живопись - #живописьзаширмой
Рисунки, акварель и пастель - #графиказаширмой
Фото - #фотозаширмой
Роспись - #лакзаширмой #росписьзаширмой
Истории и новости сообщества - #новостизаширмой
Творчество моих любимых художников - #художник_безширмы

За Ширмой

Франсис Пикабиа| Francis Picabia. 1879, Париж — 1953, Париж. Французский художник. Учился в парижской Школе декоративных искусств у Ф. Эмбера и Ф. А. Кормона (1895—1896). В 1902 совершил путешествие в Испанию. В ранних пейзажах следовал манере Коро и импрессионистов, затем увлекся яркой красочностью фовистской живописи. В 1910 встретился с братьями Дюшан и с Г. Аполлинером, что оказало значительное воздействие на его дальнейшее творчество. Абстрактные картины Пикабиа, показанные на международной выставке Армори шоу в Нью-Йорке (1913), принесли известность художнику (Удни, 1913, Париж, Нац. музей современного искусства). В период пребывания в Нью-Йорке (1915—1917) сблизился с художниками американского авангарда и вместе с М. Дюшаном создал нью-йоркское объединение дадаистов. Отказавшись от геометрической абстракции, Пикабиа приступил к большому циклу композиций, в которых раскрашенные копии технических чертежей обретают неожиданное сходство с человеческими фигурами (Любовный парад, 1917, Чикаго, частное собрание; Вот дочь, рожденная без матери, 1917, Париж, Нац. музей современного искусства). Эти механоморфы, преисполненные юмора, дразнящего дадаистского сарказма, демонстрируют парадоксальность зрительного восприятия, способного обнаружить миметический образ в отвлеченном чертеже.
В Нью-Йорке Пикабиа основал авангардистский журнал 391, который издавал затем в Европе вплоть до 1924. В 1918 переехал в Швейцарию, где в следующем году присоединился к цюрихской группировке дадаистов. Принимал активное участие в манифестациях этого объединения, продолжал работу над механоморфами (Дитя-карбюратор, 1919, Нью-Йорк, Музей С. Гуггенхейма). Вернувшись в Париж в 1920, организовал новое объединение дадаистов. В нач. 1920-х работал приемами коллажа, претворяя в изобразительные детали самые различные материалы (Соломенная шляпа, 1921; Женщина со спичками, ок. 1923—1924, обе — Париж, частные собрания).
В 1927 в творчестве Пикабиа начинается период т. н. прозрачных картин (транспаранасов), в которых художник искал внеперспективные способы передачи пространства. Разномасштабные рисунки лиц и фигур сливаются в плоскостные линейные сплетения, но в результате аккомодации глаза к пересечениям разных планов и ракурсов возникают зигзагообразные пространственные скачки, некое подобие стереоскопии (Сфинкс, 1929, Париж, Нац. музей современного искусства; Медея, 1929, Париж, частное собрание). С 1934 наплывы прозрачных образов сменяются тяжеловесными, брутальными формами псевдоклассицизма. Утрируя манеру самоучек, стилистику китча, Пикабиа достигает пародийного снижения высоких жанров аллегории, портрета, мифологической или библейской сцены (Испанская революция, 1936; Автопортрет, 1940, обе — Милан, частные собрания; Обнаженные на берегу моря, 1941, Женева, Малый дворец).
В 1939—1945 Пикабиа пребывал в Швейцарии. Вернувшись с окончанием войны в Париж, сблизился с кругами экзистенциалистов. В его позднем творчестве абстракции чередуются с фигуративным гротеском (Она танцует, 1948, Милан, частное собрание; Разговор, 1949, Париж, частное собрание).
Пикабиа занимался также сценографией, организацией празднеств и гала-представлений. Оставил обширное литературное наследие (поэтические сочинения, художественная критика, статьи по теории искусства). Его творчество, обойденное вниманием современников, было заново открыто в период постмодернизма, когда проявился особый интерес к иронии, языковой игре, скрещению различных стилей и модусов художественного творчества.

Франсис Пикабиа| Francis Picabia

INGA KEREN. ART. Инга Керен
ЖИВОПИСЕЦ, ГРАФИК, СКУЛЬПТОР, ДИЗАЙНЕР.
САНКТ ПЕТЕРБУРГСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ ТЕХНОЛОГИИ И ДИЗАЙНА (СПГУТД).
ПРОФ. ОРГАНИЗАЦИИ: ТВОРЧЕСКИЙ СОЮЗ ХУДОЖНИКОВ РОССИИ (ТСХР);
МЕЖДУНАРОДНАЯ ОБЩЕСТВЕННАЯ АССОЦИАЦИЯ «СОЮЗ ДИЗАЙНЕРОВ» (МОА “СД”).
Автор многочисленных живописных полотен, графических листов и композиций.
C 2004 года Инга Керен принимает активное участие в выставках России и Европы. Работы находятся в частных коллекциях России, Великобритании, США, Канады, Израиля, Италии, Польши.
В творческих устремлениях Инги Керен спонтанность входит в столкновение с мудрым эстетическим расчетом, свободное движение руки – с преднамеренным жестом. Ее абстрактные работы, кажущиеся на первый взгляд порождением чистого психологического автоматизма, заключают в себе рациональное начало, что обнаруживает себя, то в изящных орнаментальных завитках, то в антропоморфных формах, подчас эротического звучания.
Первородный абстрактный экспрессионизм перерабатывается здесь по законам дизайна, утрачивает драматическое внутреннее напряжение, приобретая благородный «стилизм», который можно считать общим родовым признаком петербургской художественной школы. Картины, несущие печать холодного интеллектуализма и, одновременно, следы архаических природных инстинктов провоцируют чувства, вызывая реакцию зрителя на чистую гармонию формы, свободной от обыденных смыслов. Между тем, можно заметить, что фигуративная изобразительность настойчиво стучится в художественную душу Инги Керен, и ее возврат в лоно традиционной образности, судя по всему, неминуем.
Спонтанное движение и преднамеренный жест обретают здесь то органическое единство, которое во все времена составляет основу живого искусства.

INGA KEREN. ART

Ashesteen Studio. ASHESTEEN (Кирилл Ашастин, 1989)
Кирилл Ашастин — мультидисциплинарный художник, представитель движения уличного искусства. C 13 лет в 2002 году начал создавать граффити, полностью погрузившись в субкультуру, пройдя невероятный творческий путь под влиянием эпохи развития технологий и интернета.
Относительно недавно Ашастин проявил интерес к студийной работе над живописью. Тем самым он переносит свои идеи с муралов на полотна, дополняя концепции фигуративными образами и абстрактной экспрессией. Произведения становятся рефлексией на происходящие с художником события.
Весь творческий путь Ашастина выстраивается под влиянием определенных отрезков жизни и передает время, в котором находится художник. Наиболее яркий период развития связан с интересом и жадным поглощением информации по мере развития интернета и социальных сетей. На художественный стиль повлиял и период вовлечения и погружения в субкультуры 90-х, в частности культовое время индустриальной и электронной музыки этого периода, которая в дальнейшем стала проводником в построении визуального языка художника.
Используя акрил и аналоговые инструменты, Ашастин интегрирует в свои работы как экспериментальные и ностальгические «цифровые» изображения, так и графические приемы созданные за период работы с аэрозольной краской на стенах. Такое сочетание репрезентирует бэкграунд уличного художника.
В своих работах Ашастин исследует то, как на него влияет городская среда и структура, в которой он постоянно балансирует между эмоциями от ощущения форм и света. Зачастую они вызывают как светлые, так и тревожные чувства.
В начале 2024 года Кирилл Ашастин приступил к совместной работе с молодым дизайнером Андреем Васильевым, создавая объекты из деликатных материалов, включающих зеркала с цветовым градиентом.

Ashesteen Studio